Muere el compositor finlandés Paavo Heininen

Ha muerto el compositor Paavo Heininen. En la edición de febrero de 2021 de Gramophone , Andrew Mellor ofreció el siguiente resumen de la vida y la música del compositor, que volvemos a publicar como tributo.

Compositor Contemporáneo: Paavo Heininen

El compositor sueco Anders Eliasson contó una historia trillada sobre el día de 1993 cuando se presentó en la Academia Sibelius en Helsinki, presentándose como profesor invitado. El presidente de composición de la Academia lo recibió con una mano extendida: ‘Soy Paavo Heininen, modernista’.

Las escuelas y los ‘ismos’ ya estaban desapareciendo en los años 90, pero incluso si Heininen lo sabía, no le importaba mucho. Es el compositor finlandés más intransigente de su generación y quizás de los últimos 70 años («el modernista más valiente de Finlandia», para Guy Rickards de Gramophone ): un creador y pedagogo que se aferra a sus métodos serialistas incluso cuando parece estar ocultándolos. .

Heininen fue el último alumno de Aarre Merikanto y reconstruyó varias de las piezas autodestruidas o inacabadas de su antiguo maestro. En 1993, por ejemplo, escribió una pieza conceptual en su memoria: Tuuminki – ‘Una idea… de lo que podría haber sido el Concierto para violín número 3 de Aarre Merikanto’ (una obra que Merikanto había destruido). Deseoso de estar en el corazón de la vanguardia a pesar de la geografía periférica de Finlandia, Heininen viajó a Colonia para estudiar con Rudolf Petzold y BA Zimmermann antes de inscribirse en la Juilliard School de Nueva York, donde fue principalmente alumno de Persichetti. Más tarde estudiaría en privado con Lutosawski.

Sibelius aún respiraba cuando se presentó la primera obra significativa de Heininen en 1957, la Sonatina neoclásica para piano. Un momento decisivo vendría al año siguiente. Extendiendo una línea distinguida, la primera interpretación de la Sinfonía n.° 1 de Heininen fue una calamidad. La orquesta que daba su estreno se negó a tocar la parte central de la obra y solo se emitieron el primer y último movimiento.

El evento resultó fundamental: lo suficientemente traumático para que Heininen considerara su futuro, y lo suficientemente digno de noticia como para que su nombre quedara registrado en la conciencia de la nueva escena musical nórdica como el de un niño terrible . Pero Heininen no cambiaría de dirección, como tal. Más bien, se dio cuenta de que en algunos trabajos la implementación completa de sus ideas seriales sería más viable y posible que en otros. En su obra surgieron dos vertientes igualmente importantes. En uno, dio rienda suelta a su imaginación musical por completo y con un rigor que muchos encontraron abrasivo; en el otro, puso su técnica al servicio de una música cincelada, destilada, que pudiera apreciarse como una expresión sencilla y bella de los mismos principios rigurosos.

Las sinfonías del compositor ilustran nítidamente la diferencia, oscilando entre ambas vertientes. Después de la inauguración del espectáculo de terror de la Sinfonía No. 1, su sucesora de 1962 pretendía complacer. Fue escrita para una orquesta reducida, se subtitula Petite symphonie joyeuse y tiene matices del espíritu de Martin≤ y del lirismo de Berg (también recuerda a este último en su instrumentación, particularmente en el uso de un saxofón). En verdad, probablemente se deba más al tiempo de Heininen con Persichetti en Nueva York.

Symphony No 3 (1969, rev 1977) fue un intento rigurosamente disciplinado de forzar el material potencialmente ondulante en formas estrictas y simples, un desafío para un compositor conocido por su gran abundancia de detalles por unidad de tiempo. En cierto sentido, encarna la paradoja central de todo el proyecto compositivo de Heininen: la fertilidad de su material y la concentración de su mente. Una vez más, resultó técnicamente abrumador. Solo se pudo presentar una parte de la partitura en su estreno, y aún se debate cuántos movimientos tiene la partitura completa. Symphony No 4 (1971) reaccionó una vez más, adelgazando y simplificando. Sus dos movimientos llevan el título de ‘Sinfonietta’ y tiene elementos tanto de técnica aleatoria como de forma de sonata.

Le tomó tres décadas a Heininen regresar a la sinfonía, pero No 5 (2002) es realmente imponente, como si hubiera pasado todo ese tiempo esforzándose por salir. Su sucesor, No 6 (2013-15), interpretado por primera vez en 2015, es quizás el mejor intento del compositor hasta el momento de invertir técnicas seriales con impulso sinfónico. A pesar de la tarea en cuestión, no deja de ser divertido.

Si bien las sinfonías pares están llenas de estrés y tensión, hablan de Heininen lidiando con el desafío de su propia disciplina autoimpuesta. Algunos sienten que sus limitaciones producen una música vacía y despiadada que se argumenta a sí misma en los rincones; Los propios decanos de la música nórdica de Gramophone , David Fanning, y el difunto Robert Layton han expresado sus reservas sobre las principales obras de la pluma del compositor en estas páginas. El tiempo y la marcha del posmodernismo han dejado al descubierto cualidades que durante mucho tiempo se han ignorado. Uno de ellos es esa misma sensación de tensión, que se escucha con mayor claridad en el edificio mahleriano para cuerdas Arioso (1967). Esa pieza es un buen punto de partida para los recién llegados a Heininen y conduce naturalmente al impresionante Adagio… concierto para orquesta en forma di variazioni (1963, rev. 1966): una variación monumental en la que una gran orquesta toca como un conjunto de cámara, un testimonio de la meticulosa instrumentación del compositor.

La misma calidad se puede escuchar en música en conjunto más picante pero con la misma cronología (con orígenes antes del 30 cumpleaños del compositor), la del sexteto Musique d’été (1963, rev 1967). Kimmo Korhonen ha descrito la pieza como el «acercamiento más cercano al constructivismo serialista» de Heininen, al tiempo que establece una comparación útil con su predecesor directo, Soggetto (1963) para orquesta de cámara, en el que se utilizan campos sonoros y elementos aleatorios (la última pieza fue una de las obras del compositor). primeros éxitos ampliamente aclamados). Ambos dispositivos también se encuentran en el Adagio y el Primer Concierto para piano (1964).

Durante un período en la década de 1970, el serialismo en los países nórdicos estaba mal visto, se consideraba que frustraba los propósitos que se proponía lograr mientras se oponía a los principios socialdemócratas de inclusión y valor público. La respuesta de Heininen fue buscar otras expresiones intransigentes del modernismo que pudieran entenderse mejor, utilizando elementos espaciales, conjuntos separados y haciendo eco de técnicas de espacio-tiempo propagadas por su espíritu afín Erik Bergman, sobre todo en Tritopos (1977). No es que impidiera que Heininen utilizara técnicas dodecafónicas por completo. En una gran asamblea de partituras de 1974-75 unidas bajo el opus número 32, incluyó la extensa sonata para piano Poesia squillante ed incandescente., un cuarteto de cuerdas y dos piezas para piano más cortas. Todos ellos, insistió Heininen, eran «la misma música» (es decir, estaban construidos en la misma fila de notas).

En la década de 1980, Heininen adoptaría métodos asistidos por computadora y seguiría su nervioso y agitado Concierto para piano n.° 2 (1966) con un juguetón tercer concierto para instrumento (1981), así como conciertos líricos para saxofón y violonchelo (1983 y 1985 respectivamente). . También se mudaría al teatro musical. Silkkirumpu (‘The Damask Drum’, subtitulado ‘Concerto for Singers, Players, Words, Images and Movements’; 1981-83) se basa en el simbolismo de una antigua obra japonesa de Noh y se concibe holísticamente como un gran crescendo musical y dramático; fue seguido por Veitsi , más dramáticamente convencional y musicalmente típico.(‘El cuchillo’, 1985-88). Este último ganó el concurso del Festival de Ópera de Savonlinna de Finlandia en 1988 y se representó al año siguiente para celebrar el 350 aniversario de la ciudad.

Heininen se unió a la facultad de la Academia Sibelius como profesor a tiempo parcial en 1966; fue nombrado profesor titular en 1993 y permaneció en el cargo hasta 2001. En ambas capacidades, instruyó a una generación dorada de compositores finlandeses, incluidos Jouni Kaipainen, Magnus Lindberg, Veli-Matti Puumala, Kaija Saariaho y Jukka Tiensuu. Los caminos individuales seguidos por esas figuras atestiguan el principio de que, por muy estricto que Heininen cumpliera sus propias reglas, evitaba imponérselas a los demás. Y aún así, no los ha abandonado: su último trabajo grabado, las Sonatas para violín de Boston (2016), sugiere que su método dodecafónico está tan fresco como siempre.